Pools
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Pools è la mia serie principale, su cui lavoro dal 2017. Attraverso immagini provenienti dal mondo del nuoto provo a dare una lettura personale della contemporaneità e delle nuove difficoltà che comporta il farne parte, con un riguardo particolare per l’ambiente e il disagio giovanile. Il primo nucleo di opere è nato in seguito al progetto di tesi triennale costruito intorno alla metafora visiva del naufragio come deriva dell'esistenza.
La serie Pools presenta un corpus principale di opere e due collezioni minori, White Pools (2020) e Black Pools (2021- in corso), la prima nata in seguito al lockdown del 2020, la seconda più apertamente focalizzata sull’emergenza ambientale.
Ogni dipinto ha una storia da raccontare, per scoprirla apri le schede delle singole opere.
Pools è la mia serie principale, su cui lavoro dal 2017. Attraverso immagini provenienti dal mondo del nuoto provo a dare una lettura personale della contemporaneità e delle nuove difficoltà che comporta il farne parte, con un riguardo particolare per l’ambiente e il disagio giovanile. Il primo nucleo di opere è nato in seguito al progetto di tesi triennale costruito intorno alla metafora visiva del naufragio come deriva dell'esistenza.
La serie Pools presenta un corpus principale di opere e due collezioni minori, White Pools (2020) e Black Pools (2021- in corso), la prima nata in seguito al lockdown del 2020, la seconda più apertamente focalizzata sull’emergenza ambientale.
Ogni dipinto ha una storia da raccontare, per scoprirla apri le schede delle singole opere.
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![[labelTo=ITA021] ITA [/labelTo] / [labelTo=ENG021] ENG [/labelTo]
[labelBlock=ITA021]Buone vacanze (2024), olio su tela, 100x120 cm
Una cartolina dalla villeggiatura, come si usava un tempo: la spiaggia è affollata di bagnanti, il sole accecante si riflette sulla baia dalle acque fresche e cristalline. Ma dietro la pineta costiera non figura l’entroterra estivo: picchi innevati si stagliano su un cielo dai bagliori rossastri. L’umanità si è sentita padrona del mondo, cercando di piegare la natura ed il clima al proprio volere, volendo godere di tutto nel medesimo istante, senza disagi, senza fatica, comodamente seduta sulla propria sedia a sdraio. Le stagioni sfumano l’una nell’altra perdendo i propri contorni, i confini tra ciò che è lecito pretendere dalla Natura e ciò che non lo è sono sempre più incerti - e chissà se le generazioni future potranno ancora inviarla, quella cartolina.
Pools
[/labelBlock][labelHide=ENG021]Have a good holiday time (2024), oil on canvas, 100x120 cm
A postcard from the holiday, that we were used to send as souvenir: the beach is crowded with people, the sun reflects on the water of the bay. But behind the coastal pine forest the summer hinterland does not appear: snow-capped peaks stand out against a sky with reddish glows. The human being feel in control of the world, searching to bend nature and the climate to one's will, wanting to enjoy everything at the same time, without inconvenience, without effort, comfortably seated on a deck chair. The seasons fade one into the other, losing its contours,boundaries between what is legitimate to expect from Nature and what isn't are increasingly uncertain - and who knows if future generations can still send it, that postcard.
Pools[/labelHide]](https://014.myphotoportal.com/image.php?nocache=1&width=500&height=500&image=/p/archivio/foto/1551139/Buone_vacanze.jpg)
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Buone vacanze (2024), olio su tela, 100x120 cm
Una cartolina dalla villeggiatura, come si usava un tempo: la spiaggia è affollata di bagnanti, il sole accecante si riflette sulla baia dalle acque fresche e cristalline. Ma dietro la pineta costiera non figura l’entroterra estivo: picchi innevati si stagliano su un cielo dai bagliori rossastri. L’umanità si è sentita padrona del mondo, cercando di piegare la natura ed il clima al proprio volere, volendo godere di tutto nel medesimo istante, senza disagi, senza fatica, comodamente seduta sulla propria sedia a sdraio. Le stagioni sfumano l’una nell’altra perdendo i propri contorni, i confini tra ciò che è lecito pretendere dalla Natura e ciò che non lo è sono sempre più incerti - e chissà se le generazioni future potranno ancora inviarla, quella cartolina.
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Buone vacanze (2024), olio su tela, 100x120 cm
Una cartolina dalla villeggiatura, come si usava un tempo: la spiaggia è affollata di bagnanti, il sole accecante si riflette sulla baia dalle acque fresche e cristalline. Ma dietro la pineta costiera non figura l’entroterra estivo: picchi innevati si stagliano su un cielo dai bagliori rossastri. L’umanità si è sentita padrona del mondo, cercando di piegare la natura ed il clima al proprio volere, volendo godere di tutto nel medesimo istante, senza disagi, senza fatica, comodamente seduta sulla propria sedia a sdraio. Le stagioni sfumano l’una nell’altra perdendo i propri contorni, i confini tra ciò che è lecito pretendere dalla Natura e ciò che non lo è sono sempre più incerti - e chissà se le generazioni future potranno ancora inviarla, quella cartolina.
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![[labelTo=ITA020] ITA [/labelTo] / [labelTo=ENG020] ENG [/labelTo]
[labelBlock=ITA020]La vertigine della possibilità (2024), olio su tela, 147x77 cm
Le tante strade possibili, il timore del fallimento, l’aspettativa verso il futuro che esalta e terrorizza al tempo stesso. L’età porta un naturale assottigliamento delle opportunità che la vita ci pone davanti: si imbocca una strada, e altre porte si chiudono. Ma c’è un momento in cui tutto in potenza pare possibile, un attimo esaltante e terribile, del quale spesso ci si rende conto soltanto quando ormai non è altro che un ricordo.
Pools
[/labelBlock][labelHide=ENG020]The vertigo of becoming (2024), oil on canvas, 147x77 cm
The many possible paths, the fear of failure, the expectation towards the future that exalts and terrifies at the same time. Age brings a natural lowering of the opportunities that life presents us: you take a road, and other doors close. But there is a moment when everything seems possible, an exhilarating and terrible moment, which we often recognize only when it is passed away, nothing more than a memory.
Pools[/labelHide]](https://014.myphotoportal.com/image.php?nocache=1&width=500&height=500&image=/p/archivio/foto/1551138/La_vertigine_della_possibilita.jpg)
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La vertigine della possibilità (2024), olio su tela, 147x77 cm
Le tante strade possibili, il timore del fallimento, l’aspettativa verso il futuro che esalta e terrorizza al tempo stesso. L’età porta un naturale assottigliamento delle opportunità che la vita ci pone davanti: si imbocca una strada, e altre porte si chiudono. Ma c’è un momento in cui tutto in potenza pare possibile, un attimo esaltante e terribile, del quale spesso ci si rende conto soltanto quando ormai non è altro che un ricordo.
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La vertigine della possibilità (2024), olio su tela, 147x77 cm
Le tante strade possibili, il timore del fallimento, l’aspettativa verso il futuro che esalta e terrorizza al tempo stesso. L’età porta un naturale assottigliamento delle opportunità che la vita ci pone davanti: si imbocca una strada, e altre porte si chiudono. Ma c’è un momento in cui tutto in potenza pare possibile, un attimo esaltante e terribile, del quale spesso ci si rende conto soltanto quando ormai non è altro che un ricordo.
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![[labelTo=ITA019] ITA [/labelTo] / [labelTo=ENG019] ENG [/labelTo]
[labelBlock=ITA019]Night Dream (2024), olio su tela di iuta, 132x105 cm
L’opera porta avanti una riflessione sul senso di appartenenza che trascende il luogo ed è invece legato ad una più intima conoscenza di sé e della propria identità in quanto individuo unico e irripetibile, con la sua storia e i suoi ricordi. Il contesto indefinito su cui si staglia la figura richiama la dimensione del sogno e dell’interiorità, un viaggio dentro di sé alla ricerca della nostra essenza più profonda in cui è racchiuso quel nucleo che ci fa sentire a casa, tra cose conosciute, anche quando il mondo che ci circonda viene stravolto e non lo riconosciamo più.
La nuotatrice raffigurata è un autoritratto e questa scelta deriva della vicinanza che percepisco in prima persona tra la mia esperienza e le riflessioni sul concetto del sentirsi/non sentirsi a casa: con un’esistenza suddivisa tra ‘case’ diverse, luoghi lontani tra loro chilometri e chilometri, fatico a rispondere alla semplice domanda ‘Dove abiti’ ma non per questo sento di avere perso le mie radici e il mio centro: questi anzi si sono fatti via via più forti e radicati in me tanto più mi allontanavo dal luogo che da bambina chiamavo casa acquisendo consapevolezza della mia identità come persona, dei miei valori e delle mie debolezze. Con il dinamismo e la connessione che caratterizzano la nostra epoca, la mia esperienza è nel suo piccolo l’espressione di un sentire comune a tanti - indicativo di un tempo in cui l’appartenenza è data maggiormente dall’identità e dalle scelte personali che dai confini geografici.
Pools
[/labelBlock][labelHide=ENG019]Night Dream (2024), oil on jute canvas, 132x105 cm
The painting carries forward a reflection on the sense of belonging that transcends the place and is instead linked to a more intimate knowledge of oneself and one's identity as a unique and unrepeatable individual, with his/her history and his/her memories. The indefinite context in which the figure stands out recalls the dimension of dreams and interiority, a journey within ourselves in search of our deepest essence which contains that nucleus that makes us feel at home, among known things, even when the world around us is turned upside down and we no longer recognize it.
The swimmer is a self-portrait and this choice derives from the closeness that I perceive between my experience and the reflections on the concept of feeling/not feeling at home: with an existence divided between different 'houses', places located kilometers away from each other, I struggle to answer the simple question 'Where do you live' but this does not mean I feel I have lost my origins and my centre: on the contrary, these gradually became stronger and more rooted in me the more I moved away from the place I called home as a child, becoming aware of my identity as a person, my values and my weaknesses. With the dynamism and connection that characterize our time, my experience is - in its small way - the expression of a feeling common to many other people, and it is indicative of a time in which belonging is given more by identity and personal choices than by geographical boundaries.
Pools[/labelHide]](/utils/img/imgspace.gif)
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Night Dream (2024), olio su tela di iuta, 132x105 cm
L’opera porta avanti una riflessione sul senso di appartenenza che trascende il luogo ed è invece legato ad una più intima conoscenza di sé e della propria identità in quanto individuo unico e irripetibile, con la sua storia e i suoi ricordi. Il contesto indefinito su cui si staglia la figura richiama la dimensione del sogno e dell’interiorità, un viaggio dentro di sé alla ricerca della nostra essenza più profonda in cui è racchiuso quel nucleo che ci fa sentire a casa, tra cose conosciute, anche quando il mondo che ci circonda viene stravolto e non lo riconosciamo più.
La nuotatrice raffigurata è un autoritratto e questa scelta deriva della vicinanza che percepisco in prima persona tra la mia esperienza e le riflessioni sul concetto del sentirsi/non sentirsi a casa: con un’esistenza suddivisa tra ‘case’ diverse, luoghi lontani tra loro chilometri e chilometri, fatico a rispondere alla semplice domanda ‘Dove abiti’ ma non per questo sento di avere perso le mie radici e il mio centro: questi anzi si sono fatti via via più forti e radicati in me tanto più mi allontanavo dal luogo che da bambina chiamavo casa acquisendo consapevolezza della mia identità come persona, dei miei valori e delle mie debolezze. Con il dinamismo e la connessione che caratterizzano la nostra epoca, la mia esperienza è nel suo piccolo l’espressione di un sentire comune a tanti - indicativo di un tempo in cui l’appartenenza è data maggiormente dall’identità e dalle scelte personali che dai confini geografici.
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Night Dream (2024), olio su tela di iuta, 132x105 cm
L’opera porta avanti una riflessione sul senso di appartenenza che trascende il luogo ed è invece legato ad una più intima conoscenza di sé e della propria identità in quanto individuo unico e irripetibile, con la sua storia e i suoi ricordi. Il contesto indefinito su cui si staglia la figura richiama la dimensione del sogno e dell’interiorità, un viaggio dentro di sé alla ricerca della nostra essenza più profonda in cui è racchiuso quel nucleo che ci fa sentire a casa, tra cose conosciute, anche quando il mondo che ci circonda viene stravolto e non lo riconosciamo più.
La nuotatrice raffigurata è un autoritratto e questa scelta deriva della vicinanza che percepisco in prima persona tra la mia esperienza e le riflessioni sul concetto del sentirsi/non sentirsi a casa: con un’esistenza suddivisa tra ‘case’ diverse, luoghi lontani tra loro chilometri e chilometri, fatico a rispondere alla semplice domanda ‘Dove abiti’ ma non per questo sento di avere perso le mie radici e il mio centro: questi anzi si sono fatti via via più forti e radicati in me tanto più mi allontanavo dal luogo che da bambina chiamavo casa acquisendo consapevolezza della mia identità come persona, dei miei valori e delle mie debolezze. Con il dinamismo e la connessione che caratterizzano la nostra epoca, la mia esperienza è nel suo piccolo l’espressione di un sentire comune a tanti - indicativo di un tempo in cui l’appartenenza è data maggiormente dall’identità e dalle scelte personali che dai confini geografici.
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Notte d'inverno (2023), olio su tela di iuta, 100x100 cm
L’opera è stata concepita per dare forma alla sensazione di serena trepidazione per il ritorno dell’inverno che mi porta a vivere in una sorta di sospensione tra realtà, fantasia, memoria, e fiduciosa aspettativa nei riguardi del futuro.
Niente temi impegnati per una volta, dopo un anno di intense attività ho sentito il bisogno di rivolgere lo sguardo dentro me stessa e dare spazio al sogno, ai ricordi dorati di tanti inverni lontani e alla semplice voglia di dipingere qualcosa che parlasse di me e potesse restare a suggello di questo splendido 2023.
Black Pools
Collezione privata (CHE)
Notte d'inverno (2023), olio su tela di iuta, 100x100 cm
L’opera è stata concepita per dare forma alla sensazione di serena trepidazione per il ritorno dell’inverno che mi porta a vivere in una sorta di sospensione tra realtà, fantasia, memoria, e fiduciosa aspettativa nei riguardi del futuro.
Niente temi impegnati per una volta, dopo un anno di intense attività ho sentito il bisogno di rivolgere lo sguardo dentro me stessa e dare spazio al sogno, ai ricordi dorati di tanti inverni lontani e alla semplice voglia di dipingere qualcosa che parlasse di me e potesse restare a suggello di questo splendido 2023.
Black Pools
Collezione privata (CHE)
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Li Cossi (2023), olio su tela, 69x83 cm
Li Cossi è il nome di una suggestiva spiaggia incastonata tra il verde della macchia mediterranea e le rocce rosse della Gallura nel nord della Sardegna, un luogo che ho visitato durante un viaggio nell’estate del 2020. Nell’opera è trasfigurata, circondata dal buio e sovrastata da un imponente simulacro plastico di barriera corallina.
Questo lavoro riunisce l’esperienza di Marine Litter Art che feci nel 2021 con l'associazione per la tutela ambientale Marevivo Sicilia ai ricordi di quel viaggio che per me hanno ormai assunto una connotazione dolceamara, alterati da tutto quello che è venuto dopo e divenuti anch’essi quasi un simulacro di ciò in cui credevo un tempo.
L’opera parte quindi dallo spunto autobiografico, dal deterioramento di ricordi, speranze e sogni, per arrivare però ad abbracciare il tema dell’ecosistema marino, dello sfruttamento delle coste e dell’inquinamento ambientale che in estate col turismo di massa subisce spesso un’impennata drastica.
Black Pools
Li Cossi (2023), olio su tela, 69x83 cm
Li Cossi è il nome di una suggestiva spiaggia incastonata tra il verde della macchia mediterranea e le rocce rosse della Gallura nel nord della Sardegna, un luogo che ho visitato durante un viaggio nell’estate del 2020. Nell’opera è trasfigurata, circondata dal buio e sovrastata da un imponente simulacro plastico di barriera corallina.
Questo lavoro riunisce l’esperienza di Marine Litter Art che feci nel 2021 con l'associazione per la tutela ambientale Marevivo Sicilia ai ricordi di quel viaggio che per me hanno ormai assunto una connotazione dolceamara, alterati da tutto quello che è venuto dopo e divenuti anch’essi quasi un simulacro di ciò in cui credevo un tempo.
L’opera parte quindi dallo spunto autobiografico, dal deterioramento di ricordi, speranze e sogni, per arrivare però ad abbracciare il tema dell’ecosistema marino, dello sfruttamento delle coste e dell’inquinamento ambientale che in estate col turismo di massa subisce spesso un’impennata drastica.
Black Pools
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Have fun (2023), olio su tela, 130x100 cm
L’opera riprende la riflessione iniziata lo scorso anno con l’opera Dreamers Pool sul rapporto tra le attività ricreative e lo sfruttamento delle risorse naturali. La montagna e le piste da sci sullo sfondo sono liberamente ispirate al versante nord est del monte Mondolè nelle Alpi Marittime, sulle cui pendici sorge il comprensorio sciistico dove ho trascorso gran parte degli inverni della mia infanzia e adolescenza.
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Have fun (2023), olio su tela, 130x100 cm
L’opera riprende la riflessione iniziata lo scorso anno con l’opera Dreamers Pool sul rapporto tra le attività ricreative e lo sfruttamento delle risorse naturali. La montagna e le piste da sci sullo sfondo sono liberamente ispirate al versante nord est del monte Mondolè nelle Alpi Marittime, sulle cui pendici sorge il comprensorio sciistico dove ho trascorso gran parte degli inverni della mia infanzia e adolescenza.
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Acefalia (2023), olio su tela, 140x100 cm
Una recente ricerca pubblicata sulla rivista scientifica internazionale Climate Dynamics ha pronosticato la totale scomparsa di tutti i ghiacciai attualmente localizzati al di sotto dei 3500m di quota sulle Alpi entro i prossimi 20-30 anni. L’estate 2022 poi è stata per i ghiacciai alpini la più rovinosa da secoli, e ha avuto un costo in termini di salvaguardia della biodiversità - ma anche di vite umane - elevatissimo.
Eventi legati a calamità naturali generate dal cambiamento climatico possono talora assurgere a fenomeni mediatici, portando al sollevamento e all’indignazione generali, ma tutto viene dimenticato in pochissimo tempo per passare ad altro. La velocità del contemporaneo è tale che sembra impedire alle persone di soffermarsi sulle cose - positive o negative che siano - ma soprattutto su quei problemi di tipo ‘potenziale’ quali sono molti di quelli che riguardano l’ambiente. L’impressione è che la mente sia sopraffatta, e ubriaca di input, impedisse qualsiasi forma di reazione collettiva efficace.
L’opera vuole dare una forma a questa assenza di reattività in risposta ai segnali d’allarme più o meno evidenti che giungono dal nostro pianeta, per questo ho scelto di rappresentare una figura acefala, estranea al contesto su cui si staglia ma inconsapevolmente connessa alla sua rovina. Il paesaggio sullo sfondo è liberamente ispirato al ghiacciaio dolomitico del Travignolo così come ebbi modo di osservarlo nell’agosto del 2019: oggi, a pochi anni distanza, non ne rimane quasi più traccia.
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Acefalia (2023), olio su tela, 140x100 cm
Una recente ricerca pubblicata sulla rivista scientifica internazionale Climate Dynamics ha pronosticato la totale scomparsa di tutti i ghiacciai attualmente localizzati al di sotto dei 3500m di quota sulle Alpi entro i prossimi 20-30 anni. L’estate 2022 poi è stata per i ghiacciai alpini la più rovinosa da secoli, e ha avuto un costo in termini di salvaguardia della biodiversità - ma anche di vite umane - elevatissimo.
Eventi legati a calamità naturali generate dal cambiamento climatico possono talora assurgere a fenomeni mediatici, portando al sollevamento e all’indignazione generali, ma tutto viene dimenticato in pochissimo tempo per passare ad altro. La velocità del contemporaneo è tale che sembra impedire alle persone di soffermarsi sulle cose - positive o negative che siano - ma soprattutto su quei problemi di tipo ‘potenziale’ quali sono molti di quelli che riguardano l’ambiente. L’impressione è che la mente sia sopraffatta, e ubriaca di input, impedisse qualsiasi forma di reazione collettiva efficace.
L’opera vuole dare una forma a questa assenza di reattività in risposta ai segnali d’allarme più o meno evidenti che giungono dal nostro pianeta, per questo ho scelto di rappresentare una figura acefala, estranea al contesto su cui si staglia ma inconsapevolmente connessa alla sua rovina. Il paesaggio sullo sfondo è liberamente ispirato al ghiacciaio dolomitico del Travignolo così come ebbi modo di osservarlo nell’agosto del 2019: oggi, a pochi anni distanza, non ne rimane quasi più traccia.
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Genesi del ricordo (2023), olio su tela, 80x60 cm
L’opera si concentra sulla dimensione soggettiva dello scorrere del tempo, sulla « forma » che l’essere umano prova a dare al suo fluire costante in rapporto alla propria esperienza di vita. Il ricordo è il mattoncino che inanellato ad altri ricordi crea la trama di quello che è il tempo soggettivo, ma il ricordo è esso stesso effimero e mutevole come una bolla di sapone; e come una bolla può agire in maniera non diversa da una lente, che ingrandisce, deforma, plasma ciò che si vede attraverso.
Ho voluto inserire alcuni elementi che richiamano diversi aspetti dello scorrere del tempo, come la sua ciclicità - esaltata dal ciclo della natura - e la sua ineluttabilità, il suo andare avanti nonostante tutto e senza poter tornare indietro, come quando si decide di lasciare la presa alla partenza di un acquascivolo e si è costretti a seguire il percorso fino alla fine, senza la possibilità di tornare sui propri passi. La scena è però pervasa da un senso di pace, e si colloca in una dimensione onirica che è un altrove rispetto alla realtà dell’esistenza, nei riguardi della quale il tempo 'oggettivo' scorre indifferente.
Black Pools
Genesi del ricordo (2023), olio su tela, 80x60 cm
L’opera si concentra sulla dimensione soggettiva dello scorrere del tempo, sulla « forma » che l’essere umano prova a dare al suo fluire costante in rapporto alla propria esperienza di vita. Il ricordo è il mattoncino che inanellato ad altri ricordi crea la trama di quello che è il tempo soggettivo, ma il ricordo è esso stesso effimero e mutevole come una bolla di sapone; e come una bolla può agire in maniera non diversa da una lente, che ingrandisce, deforma, plasma ciò che si vede attraverso.
Ho voluto inserire alcuni elementi che richiamano diversi aspetti dello scorrere del tempo, come la sua ciclicità - esaltata dal ciclo della natura - e la sua ineluttabilità, il suo andare avanti nonostante tutto e senza poter tornare indietro, come quando si decide di lasciare la presa alla partenza di un acquascivolo e si è costretti a seguire il percorso fino alla fine, senza la possibilità di tornare sui propri passi. La scena è però pervasa da un senso di pace, e si colloca in una dimensione onirica che è un altrove rispetto alla realtà dell’esistenza, nei riguardi della quale il tempo 'oggettivo' scorre indifferente.
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Il dio della precarietà (2023), olio su tela di iuta, 133x100 cm
Il dio della precarietà è un progetto sulla percezione del futuro da parte della generazione dei Millenials, a partire dall'esperienza personale dell'artista.
Quando negli anni del liceo mi capitava di pensare al futuro, in automatico la mia mente si riempiva di immagini e concetti che attribuivo a un mondo a parte, quello degli adulti: indipendenza, sicurezza, famiglia, carriera; in pratica tutti elementi che mi erano suggeriti sia dalla mia esperienza personale di figlia che dall’ideale di realizzazione personale proposto - o imposto - dalla società nella quale sono cresciuta.
In maniera più o meno consapevole anelavo anche io a questo modello, l’unico che conoscessi o immaginassi, e che però col tempo si è rivelato una chimera. Irraggiungibile, perlomeno nei tempi e nei modi che io e le persone con cui sono cresciuta immaginavamo.
È il mondo che è cambiato, e lo ha fatto così rapidamente che la nostra generazione è stata presa in contropiede: cresciuta con modelli non più attuabili sta cercando nuove strategie di adattamento. Il percorso lineare non esiste più, e questo pur aggiungendo talora un po’ di pepe all’esistenza crea anche sconforto e nuove difficoltà.
Con questo dipinto ho provato a dare una forma a quei pensieri che talvolta mi assalgono quando più forte si fa la sensazione di essere ferma ad un punto morto, senza che dagli anni del liceo quasi nulla sia cambiato nel mio atteggiamento verso il futuro perché pur essendo fuor d’ogni dubbio anagraficamente adulta, ci sono tanti aspetti che sento ancora al di fuori della mia portata.
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Il dio della precarietà (2023), olio su tela di iuta, 133x100 cm
Il dio della precarietà è un progetto sulla percezione del futuro da parte della generazione dei Millenials, a partire dall'esperienza personale dell'artista.
Quando negli anni del liceo mi capitava di pensare al futuro, in automatico la mia mente si riempiva di immagini e concetti che attribuivo a un mondo a parte, quello degli adulti: indipendenza, sicurezza, famiglia, carriera; in pratica tutti elementi che mi erano suggeriti sia dalla mia esperienza personale di figlia che dall’ideale di realizzazione personale proposto - o imposto - dalla società nella quale sono cresciuta.
In maniera più o meno consapevole anelavo anche io a questo modello, l’unico che conoscessi o immaginassi, e che però col tempo si è rivelato una chimera. Irraggiungibile, perlomeno nei tempi e nei modi che io e le persone con cui sono cresciuta immaginavamo.
È il mondo che è cambiato, e lo ha fatto così rapidamente che la nostra generazione è stata presa in contropiede: cresciuta con modelli non più attuabili sta cercando nuove strategie di adattamento. Il percorso lineare non esiste più, e questo pur aggiungendo talora un po’ di pepe all’esistenza crea anche sconforto e nuove difficoltà.
Con questo dipinto ho provato a dare una forma a quei pensieri che talvolta mi assalgono quando più forte si fa la sensazione di essere ferma ad un punto morto, senza che dagli anni del liceo quasi nulla sia cambiato nel mio atteggiamento verso il futuro perché pur essendo fuor d’ogni dubbio anagraficamente adulta, ci sono tanti aspetti che sento ancora al di fuori della mia portata.
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L'equilibrista (2023), olio su tela di iuta, 140x110 cm
La quotidianità sembra spesso ridursi ai mille impegni da spuntare che costellano le nostre giornate: destreggiarsi tra tutto quello che c’è da fare è l’abilità che spesso mi fa sentire più soddisfatta a fine giornata. Ma è un bene che sia così? Ogni tanto mi trovo a vivere giornate diverse, magari in giro per sentieri, e non riesco più a vedere un senso in tutto questo affannarsi. A volte mi sembra di essere in equilibrio precario su un filo sottile, tanto è grande e dall’esito incerto lo sforzo per rispondere in maniera adeguata alle richieste e alle aspettative personali e sociali, ancor più se si è donna.
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Collezione privata (USA)
L'equilibrista (2023), olio su tela di iuta, 140x110 cm
La quotidianità sembra spesso ridursi ai mille impegni da spuntare che costellano le nostre giornate: destreggiarsi tra tutto quello che c’è da fare è l’abilità che spesso mi fa sentire più soddisfatta a fine giornata. Ma è un bene che sia così? Ogni tanto mi trovo a vivere giornate diverse, magari in giro per sentieri, e non riesco più a vedere un senso in tutto questo affannarsi. A volte mi sembra di essere in equilibrio precario su un filo sottile, tanto è grande e dall’esito incerto lo sforzo per rispondere in maniera adeguata alle richieste e alle aspettative personali e sociali, ancor più se si è donna.
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Collezione privata (USA)
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Fluire (2022), olio su tela, 120x120 cm
Con questo dipinto ho cercato di dare forma alla sensazione che si prova quando si decide di lasciare la presa su qualcosa, siano abitudini, luoghi, pensieri, ricordi o persone. Il paesaggio con gli ultimi chiarori del giorno è un momento di transizione che evidenzia lo scorrere del tempo, inesorabile e indifferente alle traversie umane come il movimento delle acque di un fiume trascinate dalla gravità e dalla corrente stessa verso la foce.
Black Pools
Fluire (2022), olio su tela, 120x120 cm
Con questo dipinto ho cercato di dare forma alla sensazione che si prova quando si decide di lasciare la presa su qualcosa, siano abitudini, luoghi, pensieri, ricordi o persone. Il paesaggio con gli ultimi chiarori del giorno è un momento di transizione che evidenzia lo scorrere del tempo, inesorabile e indifferente alle traversie umane come il movimento delle acque di un fiume trascinate dalla gravità e dalla corrente stessa verso la foce.
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Comfort zone (2022), olio su tela di iuta, 121x160 cm
Avete presente la sensazione di essere comodamente sdraiati a prendere il sole, a leggere o a fare ciò che più vi piace in un luogo che per voi è casa, e all’improvviso qualcosa distrugge quell’equilibrio?
L’opera si concentra sull’attimo della rottura dell’equilibrio, per questo ho scelto di accentuare il contrasto tra luci e ombre creando una scena surreale con un fondo di drammaticità che normalmente poco si addice al contesto rappresentato. Ho sentito l’esigenza di realizzare questo dipinto dopo aver finalmente preso la distanza spaziale, temporale ed emotiva dalla mia personale rottura dell’equilibrio: deviare dal percorso stabilito non è mai semplice ma offre l’impagabile opportunità di reinventarsi e scoprire nuove prospettive.
Black Pools
Comfort zone (2022), olio su tela di iuta, 121x160 cm
Avete presente la sensazione di essere comodamente sdraiati a prendere il sole, a leggere o a fare ciò che più vi piace in un luogo che per voi è casa, e all’improvviso qualcosa distrugge quell’equilibrio?
L’opera si concentra sull’attimo della rottura dell’equilibrio, per questo ho scelto di accentuare il contrasto tra luci e ombre creando una scena surreale con un fondo di drammaticità che normalmente poco si addice al contesto rappresentato. Ho sentito l’esigenza di realizzare questo dipinto dopo aver finalmente preso la distanza spaziale, temporale ed emotiva dalla mia personale rottura dell’equilibrio: deviare dal percorso stabilito non è mai semplice ma offre l’impagabile opportunità di reinventarsi e scoprire nuove prospettive.
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Essere all'altezza (2022), olio su tela, 100x70 cm
Spesso capita di sentirsi inadeguati, di temere di non riuscire a soddisfare non solo le richieste degli altri ma anche e soprattutto i nostri stessi desideri o ideali. E’ in quei frangenti che si avverte una sensazione di piccolezza, un timore strisciante di fallire, di fare una figuraccia, di essere nuovamente delusi. Il 2022 mi ha finora posta più volte in situazioni delicate in cui ho iniziato a dubitare di tutto ed in primis di me stessa, sia dal punto di vista umano che artistico. Questa tela vorrebbe da un lato fare il punto, dando una forma alla sensazione di inadeguatezza che mi ha perseguitata per mesi, dall’altra essere di buon augurio per un futuro in cui spero di incamminarmi con lo stesso animo leggero e fiducioso che avevo quando camminavo con mia sorella guidandola lungo sentieri e vie ferrate al cospetto di maestosi paesaggi dolomitici.
Le montagne rappresentate sono infatti reali e si sviluppano intorno alla Cima Val di Roda, nel gruppo delle Pale di San Martino. Ho scelto di raffigurarle così come le abbiamo viste dal sentiero dell’Alta Via n.2 delle Dolomiti che ho percorso nell’agosto del 2019.
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Essere all'altezza (2022), olio su tela, 100x70 cm
Spesso capita di sentirsi inadeguati, di temere di non riuscire a soddisfare non solo le richieste degli altri ma anche e soprattutto i nostri stessi desideri o ideali. E’ in quei frangenti che si avverte una sensazione di piccolezza, un timore strisciante di fallire, di fare una figuraccia, di essere nuovamente delusi. Il 2022 mi ha finora posta più volte in situazioni delicate in cui ho iniziato a dubitare di tutto ed in primis di me stessa, sia dal punto di vista umano che artistico. Questa tela vorrebbe da un lato fare il punto, dando una forma alla sensazione di inadeguatezza che mi ha perseguitata per mesi, dall’altra essere di buon augurio per un futuro in cui spero di incamminarmi con lo stesso animo leggero e fiducioso che avevo quando camminavo con mia sorella guidandola lungo sentieri e vie ferrate al cospetto di maestosi paesaggi dolomitici.
Le montagne rappresentate sono infatti reali e si sviluppano intorno alla Cima Val di Roda, nel gruppo delle Pale di San Martino. Ho scelto di raffigurarle così come le abbiamo viste dal sentiero dell’Alta Via n.2 delle Dolomiti che ho percorso nell’agosto del 2019.
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Underwater (2022), olio su tela, 100x80 cm
Questa tela vorrebbe rappresentare la sensazione di essere sospesa in una realtà ovattata dove anche le passioni più forti sembrano offuscate da un velo che ne smorza l’intensità, come avviene con suoni, colori e movimenti sott’acqua. Quando nella vita si prendono dei contraccolpi forti, se la botta è stata molto dura anche ciò che di esterno e bello ci circonda ne risente, e per qualche tempo i suoi influssi benefici si sopiscono, così come la percezione di noi stessi in un disperato quanto futile tentativo di difesa. Sulla tela restano però i colori, brillanti e vivi come non mai, che potrebbero indicare la via per tornare in superficie.
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Underwater (2022), olio su tela, 100x80 cm
Questa tela vorrebbe rappresentare la sensazione di essere sospesa in una realtà ovattata dove anche le passioni più forti sembrano offuscate da un velo che ne smorza l’intensità, come avviene con suoni, colori e movimenti sott’acqua. Quando nella vita si prendono dei contraccolpi forti, se la botta è stata molto dura anche ciò che di esterno e bello ci circonda ne risente, e per qualche tempo i suoi influssi benefici si sopiscono, così come la percezione di noi stessi in un disperato quanto futile tentativo di difesa. Sulla tela restano però i colori, brillanti e vivi come non mai, che potrebbero indicare la via per tornare in superficie.
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Tropico del Capricorno (2022), olio e acrilico su tela, 100x100 cm
Tropico del Capricorno fa parte di un progetto che indaga il rapporto tra l'uomo e l'ambiente. Questa tela in particolare riguarda gli sconvolgimenti legati al riscaldamento globale - l'aumento del livello degli oceani, lo scioglimento dei ghiacciai e la tropicalizzazione. Ho scelto riferimenti visivi legati al mio vissuto e li ho ricombinati per dar vita a una scena che sia al tempo stesso allettante e respingente, in un tentativo di dare un aspetto all'ambivalenza che molto spesso caratterizza i sentimenti delle persone riguardo alle problematiche ambientali. Il titolo richiama un ulteriore sconvolgimento, un ribaltamento geografico nella mappa di quello che potrà diventare un pianeta Terra che poco o niente ha a che fare con quello che conosciamo ora. Le pennellate nervose e istintive della parte inferiore della tela vorrebbero evocare matericamente l'idea dello scioglimento, di una realtà evanescente che sta per svanire perché fatta di continui, imprevedibili e repentini cambiamenti.
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Collezione privata (ITA)
Tropico del Capricorno (2022), olio e acrilico su tela, 100x100 cm
Tropico del Capricorno fa parte di un progetto che indaga il rapporto tra l'uomo e l'ambiente. Questa tela in particolare riguarda gli sconvolgimenti legati al riscaldamento globale - l'aumento del livello degli oceani, lo scioglimento dei ghiacciai e la tropicalizzazione. Ho scelto riferimenti visivi legati al mio vissuto e li ho ricombinati per dar vita a una scena che sia al tempo stesso allettante e respingente, in un tentativo di dare un aspetto all'ambivalenza che molto spesso caratterizza i sentimenti delle persone riguardo alle problematiche ambientali. Il titolo richiama un ulteriore sconvolgimento, un ribaltamento geografico nella mappa di quello che potrà diventare un pianeta Terra che poco o niente ha a che fare con quello che conosciamo ora. Le pennellate nervose e istintive della parte inferiore della tela vorrebbero evocare matericamente l'idea dello scioglimento, di una realtà evanescente che sta per svanire perché fatta di continui, imprevedibili e repentini cambiamenti.
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Collezione privata (ITA)
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2084 (2022), olio su tela di iuta, 180x120 cm
Questo dipinto nasce come tentativo di immaginare le conseguenze sull’uomo e sull’ambiente di un eventuale conflitto globale nel XXI secolo. Ho scelto di rappresentare un luogo comunemente ritenuto bello, desiderabile, da proteggere, e di alterarlo giocando coi colori e le forme fino ad arrivare a un ipotetico scenario post apocalittico dove non è rimasto più nulla da salvare. La scelta è ricaduta su uno scorcio dell’isola di Sant’Antioco, visitata recentemente in un momento in cui pensavo di avere alcune certezze sul futuro, e che mi aveva colpito per la presenza di piccole piscine naturali che formavano dei microcosmi a sé stanti tra gli scogli levigati. Non potevo sapere che questo lavoro, con la sua atmosfera di desolazione e smarrimento, sarebbe oggi arrivato a parlare anche della mia condizione di neo trentenne alla deriva.
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2084 (2022), olio su tela di iuta, 180x120 cm
Questo dipinto nasce come tentativo di immaginare le conseguenze sull’uomo e sull’ambiente di un eventuale conflitto globale nel XXI secolo. Ho scelto di rappresentare un luogo comunemente ritenuto bello, desiderabile, da proteggere, e di alterarlo giocando coi colori e le forme fino ad arrivare a un ipotetico scenario post apocalittico dove non è rimasto più nulla da salvare. La scelta è ricaduta su uno scorcio dell’isola di Sant’Antioco, visitata recentemente in un momento in cui pensavo di avere alcune certezze sul futuro, e che mi aveva colpito per la presenza di piccole piscine naturali che formavano dei microcosmi a sé stanti tra gli scogli levigati. Non potevo sapere che questo lavoro, con la sua atmosfera di desolazione e smarrimento, sarebbe oggi arrivato a parlare anche della mia condizione di neo trentenne alla deriva.
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Dreamers Pool (2022), olio su tela, 100x120 cm
L’opera è nata da una riflessione sul rapporto tra divertimento e ambiente: mi è capitato di osservare sempre più spesso che nei momenti di svago o vacanza si cerca di avere a disposizione quante più attività e servizi possibile, senza tener conto della loro stagionalità, anche a costo di vivere in un ambiente artificiale ed avere un impatto energetico decuplicato (piscine ricreative esterne in pieno inverno, capannoni del freddo con all'interno piste da sci in estate ecc) Edonismo senza limiti, dai criteri di giudizio incerti. Per questo ho rappresentato una piscina nel mezzo di un paesaggio invernale, circondata da nastri di prato artificiale che cercano di coprire la neve e su cui due sparute galline si muovono tra i finti fili d’erba.
La montagna rappresentata è il Mondolè (2382m), cima della Alpi Marittime sulle cui pendici sorge la località montana che ha segnato gli inverni della mia infanzia e adolescenza.
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Dreamers Pool (2022), olio su tela, 100x120 cm
L’opera è nata da una riflessione sul rapporto tra divertimento e ambiente: mi è capitato di osservare sempre più spesso che nei momenti di svago o vacanza si cerca di avere a disposizione quante più attività e servizi possibile, senza tener conto della loro stagionalità, anche a costo di vivere in un ambiente artificiale ed avere un impatto energetico decuplicato (piscine ricreative esterne in pieno inverno, capannoni del freddo con all'interno piste da sci in estate ecc) Edonismo senza limiti, dai criteri di giudizio incerti. Per questo ho rappresentato una piscina nel mezzo di un paesaggio invernale, circondata da nastri di prato artificiale che cercano di coprire la neve e su cui due sparute galline si muovono tra i finti fili d’erba.
La montagna rappresentata è il Mondolè (2382m), cima della Alpi Marittime sulle cui pendici sorge la località montana che ha segnato gli inverni della mia infanzia e adolescenza.
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Scena prima. Alba (2021), olio su tela, 100x70 cm
Quando sono stata invitata a ideare un’opera sul tema A riveder le stelle, ho tergiversato a lungo perché mi sentivo troppo condizionata dal celebre testo d’origine della citazione. Traslandolo nel mio immaginario, il pensiero è infine andato alla sensazione che si prova quando si riemerge dall’acqua, avvicinandosi alla superficie per porre fine all’apnea. Speranza, meraviglia e luce sono gli ingredienti di questo dipinto, che vorrebbe anche essere un inno all’infinito potenziale di qualcosa che comincia: l’alba di un nuovo giorno, il primo passo verso la realizzazione di un sogno, le luci che finalmente rivelano la scena iniziale di una pièce teatrale mai vista prima.
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Collezione privata (NLD)
Scena prima. Alba (2021), olio su tela, 100x70 cm
Quando sono stata invitata a ideare un’opera sul tema A riveder le stelle, ho tergiversato a lungo perché mi sentivo troppo condizionata dal celebre testo d’origine della citazione. Traslandolo nel mio immaginario, il pensiero è infine andato alla sensazione che si prova quando si riemerge dall’acqua, avvicinandosi alla superficie per porre fine all’apnea. Speranza, meraviglia e luce sono gli ingredienti di questo dipinto, che vorrebbe anche essere un inno all’infinito potenziale di qualcosa che comincia: l’alba di un nuovo giorno, il primo passo verso la realizzazione di un sogno, le luci che finalmente rivelano la scena iniziale di una pièce teatrale mai vista prima.
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Collezione privata (NLD)
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The New Reef (2021), olio su tela, 90x100 cm
The New Reef è un progetto incentrato sulla sofferenza e sulla distruzione di molti ecosistemi marini a causa dell’uomo. La nascita di questo lavoro si lega all’esperienza di Marine Litter Art, residenza artistica che ho svolto in Sicilia nell’estate del 2021 e durante la quale gli artisti invitati hanno realizzato delle installazioni site specific avvalendosi esclusivamente dei rifiuti raccolti durante la pulizia dell’area alla foce del fiume Platani, in provincia di Agrigento. Sconvolta dalla quantità di plastica che era presente alla foce, scelsi di lavorare esclusivamente con questi materiali: polistirolo, imballaggi, bottiglie, flaconi e tappi in plastica. Al rientro però continuavo a sentire pressante il bisogno di traslare il messaggio di denuncia dell’abbandono della plastica anche nei miei dipinti, ed è da questa esigenza che è nato The New Reef. L’opera vorrebbe essere una rappresentazione distopica, ai limiti del fantascientifico, di un futuro - forse non troppo lontano - in cui l’umanità avrà causato la scomparsa della biodiversità per come la conosciamo oggi e si sarà adattata a vivere in un mondo fatto di plastica, quella stessa plastica che ha creato e di cui non sa più come liberarsi. Ho immaginato un ipotetico albergo di lusso del futuro che si proporrà ai propri potenziali ospiti come un paradiso da cui poter godere di una vista privilegiata ed esclusiva su quelle che vengono spacciate per essere le bellezze del mare: su un complicato sistema di super piscine incombe una struttura grottesca che vuole essere il simulacro di una barriera corallina. Questo elemento mi è stato ispirato dalle concrezioni sottomarine che ho avuto la possibilità di osservare nel corso di alcune immersioni nel Mediterraneo: gorgonie, anemoni, spugne ecc. che ho cercato di rievocare in chiave alterata, immaginandone una possibile metamorfosi mortifera. I personaggi in piscina non si rendono conto di cosa li sovrasta, perché si sarà perso il ricordo di ciò che era stato e anche la capacità di distinguere tra ciò che è autentico e naturale, e ciò che non lo è affatto. Le geometrie che tagliano in due la composizione sono un rimando al Punto di non ritorno che gli scienziati ci indicano come limite oltre il quale i danni inferti all’ambiente diventeranno irreversibili, e delimitano un riquadro dove ho inserito ciò che gli archeologici del futuro molto probabilmente troveranno scavando: resti ‘fossili’ di materiali plastici.
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Collezione privata (ITA)
The New Reef (2021), olio su tela, 90x100 cm
The New Reef è un progetto incentrato sulla sofferenza e sulla distruzione di molti ecosistemi marini a causa dell’uomo. La nascita di questo lavoro si lega all’esperienza di Marine Litter Art, residenza artistica che ho svolto in Sicilia nell’estate del 2021 e durante la quale gli artisti invitati hanno realizzato delle installazioni site specific avvalendosi esclusivamente dei rifiuti raccolti durante la pulizia dell’area alla foce del fiume Platani, in provincia di Agrigento. Sconvolta dalla quantità di plastica che era presente alla foce, scelsi di lavorare esclusivamente con questi materiali: polistirolo, imballaggi, bottiglie, flaconi e tappi in plastica. Al rientro però continuavo a sentire pressante il bisogno di traslare il messaggio di denuncia dell’abbandono della plastica anche nei miei dipinti, ed è da questa esigenza che è nato The New Reef. L’opera vorrebbe essere una rappresentazione distopica, ai limiti del fantascientifico, di un futuro - forse non troppo lontano - in cui l’umanità avrà causato la scomparsa della biodiversità per come la conosciamo oggi e si sarà adattata a vivere in un mondo fatto di plastica, quella stessa plastica che ha creato e di cui non sa più come liberarsi. Ho immaginato un ipotetico albergo di lusso del futuro che si proporrà ai propri potenziali ospiti come un paradiso da cui poter godere di una vista privilegiata ed esclusiva su quelle che vengono spacciate per essere le bellezze del mare: su un complicato sistema di super piscine incombe una struttura grottesca che vuole essere il simulacro di una barriera corallina. Questo elemento mi è stato ispirato dalle concrezioni sottomarine che ho avuto la possibilità di osservare nel corso di alcune immersioni nel Mediterraneo: gorgonie, anemoni, spugne ecc. che ho cercato di rievocare in chiave alterata, immaginandone una possibile metamorfosi mortifera. I personaggi in piscina non si rendono conto di cosa li sovrasta, perché si sarà perso il ricordo di ciò che era stato e anche la capacità di distinguere tra ciò che è autentico e naturale, e ciò che non lo è affatto. Le geometrie che tagliano in due la composizione sono un rimando al Punto di non ritorno che gli scienziati ci indicano come limite oltre il quale i danni inferti all’ambiente diventeranno irreversibili, e delimitano un riquadro dove ho inserito ciò che gli archeologici del futuro molto probabilmente troveranno scavando: resti ‘fossili’ di materiali plastici.
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Collezione privata (ITA)
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Nel mare non ci sono più i coccodrilli (2021), olio su tela, 130x120 cm
In questo dipinto ho voluto sviluppare un discorso intorno al vincolo indissolubile che c’è tra l’uomo e la natura, un legame tanto intenso quanto bistrattato che però inciderà sul nostro avvenire di specie. Ho deciso di concentrare la mia attenzione sull’influsso delle attività umane sugli ambienti acquatici, che essendo per loro natura molto lontani dalla nostra condizione di esseri terrestri sono spesso i meno presi in considerazione - nonostante siano fondamentali per la nostra stessa sopravvivenza.
La tela presenta alcuni elementi legati alle piscine ricreative, al divertimento e al gioco dei bambini, rivisti però in una chiave più drammatica: acquascivoli come scarichi, e un coccodrillo gonfiabile abbandonato e rovesciato con rimandi a diverse situazioni di criticità come la morte degli organismi acquatici, la progressiva tropicalizzazione dei nostri mari e la dispersione di rifiuti plastici nell’ambiente.
Il titolo del progetto fa riferimento al romanzo di F. Geda ‘Nel mare ci sono i coccodrilli’ (Baldini&Castoldi, 2010) dove è presente una scena emblematica in cui il giovane profugo afghano protagonista mette finalmente in dubbio che la morte di uno dei suoi amici sia stata provocata dai “coccodrilli”, che gli avevano detto esserci in mare, piuttosto che dalla spietatezza e noncuranza degli uomini - rivolta non solo verso l’ambiente che li nutre, ma anche verso i loro pari.
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Collezione privata (ITA)
Nel mare non ci sono più i coccodrilli (2021), olio su tela, 130x120 cm
In questo dipinto ho voluto sviluppare un discorso intorno al vincolo indissolubile che c’è tra l’uomo e la natura, un legame tanto intenso quanto bistrattato che però inciderà sul nostro avvenire di specie. Ho deciso di concentrare la mia attenzione sull’influsso delle attività umane sugli ambienti acquatici, che essendo per loro natura molto lontani dalla nostra condizione di esseri terrestri sono spesso i meno presi in considerazione - nonostante siano fondamentali per la nostra stessa sopravvivenza.
La tela presenta alcuni elementi legati alle piscine ricreative, al divertimento e al gioco dei bambini, rivisti però in una chiave più drammatica: acquascivoli come scarichi, e un coccodrillo gonfiabile abbandonato e rovesciato con rimandi a diverse situazioni di criticità come la morte degli organismi acquatici, la progressiva tropicalizzazione dei nostri mari e la dispersione di rifiuti plastici nell’ambiente.
Il titolo del progetto fa riferimento al romanzo di F. Geda ‘Nel mare ci sono i coccodrilli’ (Baldini&Castoldi, 2010) dove è presente una scena emblematica in cui il giovane profugo afghano protagonista mette finalmente in dubbio che la morte di uno dei suoi amici sia stata provocata dai “coccodrilli”, che gli avevano detto esserci in mare, piuttosto che dalla spietatezza e noncuranza degli uomini - rivolta non solo verso l’ambiente che li nutre, ma anche verso i loro pari.
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Cambio di scena (2021), olio e acrilico su tela di iuta, 100x140 cm
Questo dipinto nasce come tentativo di riflessione sul problema della carenza di acqua potabile legata al cambiamento climatico. Ho ricreato un mondo che pare sospeso sull’abisso, e in cui già compaiono le prime rovine legate all’abbandono di attività che potenzialmente potrebbero non essere più sostenibili in un prossimo avvenire. Facendo riferimento alla mia esperienza quotidiana di nuotatrice, se è vero che l’acqua dolce diventerà l’oro del futuro, il suo utilizzo in grandi quantità per attività ricreative non sarà più da dare per scontato. Stesso discorso per la possibilità di ammirare da vicino un ghiacciaio alpino, riserva naturale di acqua dolce ed ecosistema ormai in via di estinzione accelerata: nell’opera ho ripreso parte della Vedretta Forcola nel Parco Nazionale dello Stelvio, così come era nell’agosto del 2018, anno in cui ho avuto la fortuna di trascorrere l’intera stagione estiva in quota e osservare dal vivo la difficile situazione dei ghiacciai alpini.
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Collezione privata (ITA)
Cambio di scena (2021), olio e acrilico su tela di iuta, 100x140 cm
Questo dipinto nasce come tentativo di riflessione sul problema della carenza di acqua potabile legata al cambiamento climatico. Ho ricreato un mondo che pare sospeso sull’abisso, e in cui già compaiono le prime rovine legate all’abbandono di attività che potenzialmente potrebbero non essere più sostenibili in un prossimo avvenire. Facendo riferimento alla mia esperienza quotidiana di nuotatrice, se è vero che l’acqua dolce diventerà l’oro del futuro, il suo utilizzo in grandi quantità per attività ricreative non sarà più da dare per scontato. Stesso discorso per la possibilità di ammirare da vicino un ghiacciaio alpino, riserva naturale di acqua dolce ed ecosistema ormai in via di estinzione accelerata: nell’opera ho ripreso parte della Vedretta Forcola nel Parco Nazionale dello Stelvio, così come era nell’agosto del 2018, anno in cui ho avuto la fortuna di trascorrere l’intera stagione estiva in quota e osservare dal vivo la difficile situazione dei ghiacciai alpini.
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Collezione privata (ITA)
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Luna nuova (2021), olio su tela di iuta, 96x120 cm
In questo lavoro ho cercato di rappresentare il contrasto tra la sofferenza del pianeta, il suo incerto destino, e l’indifferenza umana. Una spiaggia colorata e affollata di bagnanti non ha più il “naturale” compendio di acque limpide e sole estivo, ma è sovrastata da un cielo nero che ha inghiottito persino il mare. Non troviamo né la luna né le stelle, in passato riferimento per viaggiatori, naviganti e portatrici di un’idea di destino. Al loro posto si trova invece un carapace scheletrito, un nuovo astro che nulla ha di meraviglioso e che rimanda al destino del pianeta per mano di un’umanità ignara e indifferente anche al suo stesso futuro. Gli elementi della composizione sono tratti da ricordi del mio ultimo viaggio in Sardegna l’estate scorsa: la spiaggia è ispirata a Cala del Morto in località Chia a Domus de Maria (Ca), mentre il carapace è uno dei tanti che ho visto percorrendo i sentieri dell’isola Mal di Ventre, situata poche miglia al largo della penisola del Sinis (Or).
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Collezione privata (CHE)
Luna nuova (2021), olio su tela di iuta, 96x120 cm
In questo lavoro ho cercato di rappresentare il contrasto tra la sofferenza del pianeta, il suo incerto destino, e l’indifferenza umana. Una spiaggia colorata e affollata di bagnanti non ha più il “naturale” compendio di acque limpide e sole estivo, ma è sovrastata da un cielo nero che ha inghiottito persino il mare. Non troviamo né la luna né le stelle, in passato riferimento per viaggiatori, naviganti e portatrici di un’idea di destino. Al loro posto si trova invece un carapace scheletrito, un nuovo astro che nulla ha di meraviglioso e che rimanda al destino del pianeta per mano di un’umanità ignara e indifferente anche al suo stesso futuro. Gli elementi della composizione sono tratti da ricordi del mio ultimo viaggio in Sardegna l’estate scorsa: la spiaggia è ispirata a Cala del Morto in località Chia a Domus de Maria (Ca), mentre il carapace è uno dei tanti che ho visto percorrendo i sentieri dell’isola Mal di Ventre, situata poche miglia al largo della penisola del Sinis (Or).
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Collezione privata (CHE)
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Il paradosso contemporaneo (2021), olio su tela di iuta, 180x120 cm
Quest'opera vorrebbe dare una forma al senso di confusione che spesso regna nelle nostre giornate: sovrastrutture burocratiche incomprensibili, norme talora incoerenti e priorità discutibili ma automaticamente accettate per il quieto vivere. La scena presenta tinte accese ma è caotica e paradossale: l'autorità cui spetta sia il controllo delle regole che la vigilanza sulla sicurezza è assente; dietro la sedia vuota del bagnino si scorgono strumenti di salvataggio abbandonati e una situazione completamente fuori controllo cui però nessuno sembra fare caso.
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Collezione privata (USA)
Il paradosso contemporaneo (2021), olio su tela di iuta, 180x120 cm
Quest'opera vorrebbe dare una forma al senso di confusione che spesso regna nelle nostre giornate: sovrastrutture burocratiche incomprensibili, norme talora incoerenti e priorità discutibili ma automaticamente accettate per il quieto vivere. La scena presenta tinte accese ma è caotica e paradossale: l'autorità cui spetta sia il controllo delle regole che la vigilanza sulla sicurezza è assente; dietro la sedia vuota del bagnino si scorgono strumenti di salvataggio abbandonati e una situazione completamente fuori controllo cui però nessuno sembra fare caso.
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Collezione privata (USA)
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Nella giungla delle opportunità (2021), olio e collage su tela di iuta, 120x180 cm
“Nella vita potrai fare qualunque cosa tu desideri, al giorno d’oggi non ci sono più le barriere di una volta”. Parole incoraggianti, che da piccola mi procuravano una gradevole sensazione di onnipotenza e fiducia. In effetti quasi infinite sono le strade percorribili, basta essere sicuri di saper aggirare gli ostacoli e imboccare la giusta direzione ad ogni bivio che la vita pone sotto forma di scelta. Avere tra le mani un potere decisionale così ampio può però anche ritorcercisi contro, perché il sistema in cui agiamo è sempre più labirintico: le opzioni si diversificano, sfumano una nell’altra, nascono nuovi lavori e nuove opportunità impensabili fino a pochi anni prima. Chi non ha mai avuto l’impressione di trovarsi preso in un dedalo di possibilità al punto di non sapere più come muoversi? A me è capitato diverse volte, soprattutto nella scelta del percorso di studi in previsione di un impiego futuro, e questo dipinto nasce proprio da quella sensazione - spesso aggravata dall’idea che nella maggior parte dei casi le scelte siano univoche e definitive (via uno, avanti un altro!) proprio come quando ci si lascia andare alla partenza di un acquascivolo e si è trascinati inevitabilmente fino alla fine, senza possibilità di ripensamento.
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Nella giungla delle opportunità (2021), olio e collage su tela di iuta, 120x180 cm
“Nella vita potrai fare qualunque cosa tu desideri, al giorno d’oggi non ci sono più le barriere di una volta”. Parole incoraggianti, che da piccola mi procuravano una gradevole sensazione di onnipotenza e fiducia. In effetti quasi infinite sono le strade percorribili, basta essere sicuri di saper aggirare gli ostacoli e imboccare la giusta direzione ad ogni bivio che la vita pone sotto forma di scelta. Avere tra le mani un potere decisionale così ampio può però anche ritorcercisi contro, perché il sistema in cui agiamo è sempre più labirintico: le opzioni si diversificano, sfumano una nell’altra, nascono nuovi lavori e nuove opportunità impensabili fino a pochi anni prima. Chi non ha mai avuto l’impressione di trovarsi preso in un dedalo di possibilità al punto di non sapere più come muoversi? A me è capitato diverse volte, soprattutto nella scelta del percorso di studi in previsione di un impiego futuro, e questo dipinto nasce proprio da quella sensazione - spesso aggravata dall’idea che nella maggior parte dei casi le scelte siano univoche e definitive (via uno, avanti un altro!) proprio come quando ci si lascia andare alla partenza di un acquascivolo e si è trascinati inevitabilmente fino alla fine, senza possibilità di ripensamento.
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New society (2021), olio su tela di iuta, 180x120 cm
Risultante della combinazione incrociata di una pandemia in corso e della rilettura di 1984 di George Orwell, una visione surreale per esprimere il senso di oppressione e spersonalizzazione cui sembra di essere sempre più sottoposti - in precario equilibrio tra utopia e distopia.
Nel mondo di oggi è quasi normale la sensazione di essere un numero: al lavoro, in università, in ospedale; è il sistema di cui facciamo parte come minuscoli ma necessari ingranaggi. In New society ho provato a rappresentare questo stato di cose in modo un po' provocatorio, prendendo un elemento abitualmente associato al divertimento e trasformandolo in qualcosa di minaccioso, che incombe sia sulle figurine indistinte che sfilano al di sotto, sia su chi osserva il dipinto. Ho scelto gli acquascivoli perché sono deputati allo svago ma hanno in sé anche una componente di ineluttabilità: una volta che si sono staccate le mani dalla barra alla partenza, si è costretti a seguire il percorso fino alla fine, non c’è modo di tornare sui propri passi. New society è un lavoro che gioca sulla contraddizione; con la scelta di soggetti apparentemente innocui e di colori accesi e allegri ho cercato di provocare un cortocircuito tra immagine e messaggio.
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Collezione privata (USA)
New society (2021), olio su tela di iuta, 180x120 cm
Risultante della combinazione incrociata di una pandemia in corso e della rilettura di 1984 di George Orwell, una visione surreale per esprimere il senso di oppressione e spersonalizzazione cui sembra di essere sempre più sottoposti - in precario equilibrio tra utopia e distopia.
Nel mondo di oggi è quasi normale la sensazione di essere un numero: al lavoro, in università, in ospedale; è il sistema di cui facciamo parte come minuscoli ma necessari ingranaggi. In New society ho provato a rappresentare questo stato di cose in modo un po' provocatorio, prendendo un elemento abitualmente associato al divertimento e trasformandolo in qualcosa di minaccioso, che incombe sia sulle figurine indistinte che sfilano al di sotto, sia su chi osserva il dipinto. Ho scelto gli acquascivoli perché sono deputati allo svago ma hanno in sé anche una componente di ineluttabilità: una volta che si sono staccate le mani dalla barra alla partenza, si è costretti a seguire il percorso fino alla fine, non c’è modo di tornare sui propri passi. New society è un lavoro che gioca sulla contraddizione; con la scelta di soggetti apparentemente innocui e di colori accesi e allegri ho cercato di provocare un cortocircuito tra immagine e messaggio.
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Social distancing (2020), olio su tela, 35x100 cm
Questo dittico è nato da una riflessione sui cambiamenti che la nostra realtà ha subito a causa della pandemia da Covid-19. Le circostanze che hanno portato alla sua realizzazione non avevano nulla di eccezionale: mi trovavo all'ingresso di un impianto natatorio in attesa del rilevamento della temperatura, attenta a mantenere la distanza tra gli utenti in coda. In quel frangente non ho potuto fare a meno di constatare ancora una volta come una circostanza quotidiana quale l'ingresso in piscina abbia acquisito caratteristiche nuove che le hanno fatto perdere di componente umana in favore di una impersonale formalità tesa anche tra persone che si conoscono da tempo. Come scrive Aristotele l'uomo è per sua natura un essere sociale, che non si era quasi mai trovato a doversi proteggere dal contatto con gli altri su così larga scala, e questo fatto porta a chiedersi se basterà la fine dell'emergenza per tornare al modo di relazionarsi che avevamo prima. In quella fila ho ripensato a un estratto di realtà pre-Covid ma non riuscivo più a collocarla nel presente, a incasellarla nelle nuove modalità di convivenza. Quello che ne è derivato è una frattura, la rappresentazione visiva di un unico che prima della pandemia era tale e adesso attende di assumere una nuova forma.
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Social distancing (2020), olio su tela, 35x100 cm
Questo dittico è nato da una riflessione sui cambiamenti che la nostra realtà ha subito a causa della pandemia da Covid-19. Le circostanze che hanno portato alla sua realizzazione non avevano nulla di eccezionale: mi trovavo all'ingresso di un impianto natatorio in attesa del rilevamento della temperatura, attenta a mantenere la distanza tra gli utenti in coda. In quel frangente non ho potuto fare a meno di constatare ancora una volta come una circostanza quotidiana quale l'ingresso in piscina abbia acquisito caratteristiche nuove che le hanno fatto perdere di componente umana in favore di una impersonale formalità tesa anche tra persone che si conoscono da tempo. Come scrive Aristotele l'uomo è per sua natura un essere sociale, che non si era quasi mai trovato a doversi proteggere dal contatto con gli altri su così larga scala, e questo fatto porta a chiedersi se basterà la fine dell'emergenza per tornare al modo di relazionarsi che avevamo prima. In quella fila ho ripensato a un estratto di realtà pre-Covid ma non riuscivo più a collocarla nel presente, a incasellarla nelle nuove modalità di convivenza. Quello che ne è derivato è una frattura, la rappresentazione visiva di un unico che prima della pandemia era tale e adesso attende di assumere una nuova forma.
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Identità in costruzione(2020), olio e stoffa su tela, 150x100 cm
L’identità è immutabile? La persona che siamo oggi è la stessa di sei anni fa, di dieci? Quando e perché siamo cambiati? L’opera nasce da una riflessione sulla relazione tra Identità e Tempo. Noi nuotatori spesso finiamo per identificarci - e identificare anche i compagni di squadra - grazie alla combinazione di colori dei nostri materiali. In acqua, tutti con cuffia identica e occhialini, in mezzo a movimento e rumore, ci si riconosce soprattutto per il costume che assume il ruolo di identità cromatica temporanea. Ogni nuotatore ha una storia che può essere ricostruita anche attraverso quella seconda pelle che è il costume, dal quale a volte è particolarmente difficile separarsi proprio per via questo mix di identità e ricordi che lo caratterizza, pure se il tessuto è logorato dall’uso fino a renderlo inservibile. In Identità in costruzione ho sia rappresentato pittoricamente un costume che ha segnato la mia esperienza agonistica, sia scelto di inserirlo realmente nel lavoro applicando alcune sue parti sulla tela. Come una tenda di sipario che richiama i panneggi della tradizione pittorica classica, il costume lascia spazio a un autoritratto a misura reale che ne indosserà per sempre una parte: la me stessa che nuotava con quei colori non riesco più a trovarla così come era, ma è stata un 'tassello' fondamentale per la costruzione della persona che sono adesso e per questo ho voluto fissarne sulla tela l'essenza che ne rimane, un'eco del passato che si è portata fino ad oggi mutando impercettibilmente ma con costanza nel misterioso e affascinante scorrere del tempo.
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Identità in costruzione(2020), olio e stoffa su tela, 150x100 cm
L’identità è immutabile? La persona che siamo oggi è la stessa di sei anni fa, di dieci? Quando e perché siamo cambiati? L’opera nasce da una riflessione sulla relazione tra Identità e Tempo. Noi nuotatori spesso finiamo per identificarci - e identificare anche i compagni di squadra - grazie alla combinazione di colori dei nostri materiali. In acqua, tutti con cuffia identica e occhialini, in mezzo a movimento e rumore, ci si riconosce soprattutto per il costume che assume il ruolo di identità cromatica temporanea. Ogni nuotatore ha una storia che può essere ricostruita anche attraverso quella seconda pelle che è il costume, dal quale a volte è particolarmente difficile separarsi proprio per via questo mix di identità e ricordi che lo caratterizza, pure se il tessuto è logorato dall’uso fino a renderlo inservibile. In Identità in costruzione ho sia rappresentato pittoricamente un costume che ha segnato la mia esperienza agonistica, sia scelto di inserirlo realmente nel lavoro applicando alcune sue parti sulla tela. Come una tenda di sipario che richiama i panneggi della tradizione pittorica classica, il costume lascia spazio a un autoritratto a misura reale che ne indosserà per sempre una parte: la me stessa che nuotava con quei colori non riesco più a trovarla così come era, ma è stata un 'tassello' fondamentale per la costruzione della persona che sono adesso e per questo ho voluto fissarne sulla tela l'essenza che ne rimane, un'eco del passato che si è portata fino ad oggi mutando impercettibilmente ma con costanza nel misterioso e affascinante scorrere del tempo.
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Aspirazioni (2020), olio su tela, 150x100 cm
Che cosa vuoi fare da grande? Tutti da bambini abbiamo risposto entusiasticamente a questa domanda, per poi accorgerci col passare degli anni che non è scontato né naturale riuscire ad arrivare laddove ci eravamo prefissati di essere. Spesso ci si trova davanti ad ostacoli che paiono insormontabili, che segnano un confine ideale tra ciò che vorremmo e ciò che riteniamo essere in grado di fare. Le nostre sole forze paiono insignificanti, ci sembra di essere un puntolino tra migliaia di altri che ambiscono alla stessa cosa, allo stesso posto, alla stessa vita; per questo troppo spesso ci tiriamo indietro ancora prima di iniziare, invece di tentare e in seguito semmai ricalibrare gli obiettivi.
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Aspirazioni (2020), olio su tela, 150x100 cm
Che cosa vuoi fare da grande? Tutti da bambini abbiamo risposto entusiasticamente a questa domanda, per poi accorgerci col passare degli anni che non è scontato né naturale riuscire ad arrivare laddove ci eravamo prefissati di essere. Spesso ci si trova davanti ad ostacoli che paiono insormontabili, che segnano un confine ideale tra ciò che vorremmo e ciò che riteniamo essere in grado di fare. Le nostre sole forze paiono insignificanti, ci sembra di essere un puntolino tra migliaia di altri che ambiscono alla stessa cosa, allo stesso posto, alla stessa vita; per questo troppo spesso ci tiriamo indietro ancora prima di iniziare, invece di tentare e in seguito semmai ricalibrare gli obiettivi.
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(Out of) sanitary cage (2020), olio su tela, 150x100 cm
Maggio 2020. Con questa tela si chiude il "diario di bordo" del primo lockdown, le restrizioni si allentano e la libertà si avvicina, pur restando ancora fuori dalla nostra portata. La rabbia nei confronti della casa, quel focolare che nei mesi precedenti oscillava tra l’essere gabbia e rifugio, si trasforma in un sentimento nuovo e ambivalente. In questo lavoro ho voluto rappresentare gli ultimi istanti di reclusione domestica, quando ciò che è stato prima del lockdown è potuto tornare ad essere un futuro in potenza per tutti coloro che erano ancora rinchiusi. Nel dipinto, pareti colorate e scrostate ma non più minacciose costituiscono la gabbia in cui una nuotatrice immagina la superficie cristallina di una piscina, come in un sogno ad occhi aperti. Nella realizzazione degli elementi architettonici ho usato ampie pennellate libere agendo quasi di getto e lasciando spesso trasparire lo strato sottostante di fondo acrilico, come se si trattasse davvero di un muro il cui intonaco scrostato rivela a tratti gli strati più vecchi in una corsa indietro nel tempo.
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(Out of) sanitary cage (2020), olio su tela, 150x100 cm
Maggio 2020. Con questa tela si chiude il "diario di bordo" del primo lockdown, le restrizioni si allentano e la libertà si avvicina, pur restando ancora fuori dalla nostra portata. La rabbia nei confronti della casa, quel focolare che nei mesi precedenti oscillava tra l’essere gabbia e rifugio, si trasforma in un sentimento nuovo e ambivalente. In questo lavoro ho voluto rappresentare gli ultimi istanti di reclusione domestica, quando ciò che è stato prima del lockdown è potuto tornare ad essere un futuro in potenza per tutti coloro che erano ancora rinchiusi. Nel dipinto, pareti colorate e scrostate ma non più minacciose costituiscono la gabbia in cui una nuotatrice immagina la superficie cristallina di una piscina, come in un sogno ad occhi aperti. Nella realizzazione degli elementi architettonici ho usato ampie pennellate libere agendo quasi di getto e lasciando spesso trasparire lo strato sottostante di fondo acrilico, come se si trattasse davvero di un muro il cui intonaco scrostato rivela a tratti gli strati più vecchi in una corsa indietro nel tempo.
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La chute (2020), olio su tela, 150x100 cm
Questo lavoro nasce nel cuore della pandemia, quando nell’aprile 2020 l’Italia si trovava in pieno lockdown e paura, incredulità e impotenza la facevano da padrone nell’animo delle persone. Si aveva l’impressione di assistere ad una nuova Apocalissi in atto, alla concretizzazione di uno degli scenari distopici tra i peggiori cui il ricco Occidente del XXI secolo potesse pensare. Ai telegiornali non facevano che ripetere cifre: contagiati, deceduti, intubati, trasferiti, sospetti, qualche guarito. Le strutture portanti della società erano improvvisamente state rimesse in discussione: ricchezza, scienza, tecnologia, tutto sembrava essere diventato inutile, inadeguato, incapace di far fronte a un’unica minaccia invisibile. L’economia - pilastro portante del mondo capitalista - e l’organizzazione sociale erano scivolate di colpo in un baratro, scoprendosi impotenti di fronte alla rivalsa feroce di un nemico naturale troppo a lungo sottovalutato. Anch’io, pur nella relativa sicurezza del mio studio, avevo la sensazione che il mondo per come lo conoscevo fosse perduto, e il non poter fare altro che restare a guardare accresceva la sensazione che si è poi tradotta nell’opera: un’angoscia strisciante, che unita alla reclusione domestica, alla solitudine, all’impotenza, alla paura e al crollo di ogni certezza ha caricato questo lavoro fin dalla sua nascita, sgravando parzialmente il mio animo.
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La chute (2020), olio su tela, 150x100 cm
Questo lavoro nasce nel cuore della pandemia, quando nell’aprile 2020 l’Italia si trovava in pieno lockdown e paura, incredulità e impotenza la facevano da padrone nell’animo delle persone. Si aveva l’impressione di assistere ad una nuova Apocalissi in atto, alla concretizzazione di uno degli scenari distopici tra i peggiori cui il ricco Occidente del XXI secolo potesse pensare. Ai telegiornali non facevano che ripetere cifre: contagiati, deceduti, intubati, trasferiti, sospetti, qualche guarito. Le strutture portanti della società erano improvvisamente state rimesse in discussione: ricchezza, scienza, tecnologia, tutto sembrava essere diventato inutile, inadeguato, incapace di far fronte a un’unica minaccia invisibile. L’economia - pilastro portante del mondo capitalista - e l’organizzazione sociale erano scivolate di colpo in un baratro, scoprendosi impotenti di fronte alla rivalsa feroce di un nemico naturale troppo a lungo sottovalutato. Anch’io, pur nella relativa sicurezza del mio studio, avevo la sensazione che il mondo per come lo conoscevo fosse perduto, e il non poter fare altro che restare a guardare accresceva la sensazione che si è poi tradotta nell’opera: un’angoscia strisciante, che unita alla reclusione domestica, alla solitudine, all’impotenza, alla paura e al crollo di ogni certezza ha caricato questo lavoro fin dalla sua nascita, sgravando parzialmente il mio animo.
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Senza confini (2020), olio su tela, 150x100 cm
Questo dipinto è un tentativo di evasione dalla prigionia, reale o metaforica, che mi è stato suggerito dal prolungato periodo di quarantena a causa dell'emergenza sanitaria da Covid-19. In un mondo che pare come sospeso, l'universo di ciascuno si è ristretto alle proprie mura domestiche e il solo modo per evadere è con la fantasia; ho perciò riunito in una visione surreale alcuni elementi simbolo di quello che è per me la libertà, tra cui il tuffo - un modo per spiccare il volo e atterrare al di là dell'ostacolo.
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Senza confini (2020), olio su tela, 150x100 cm
Questo dipinto è un tentativo di evasione dalla prigionia, reale o metaforica, che mi è stato suggerito dal prolungato periodo di quarantena a causa dell'emergenza sanitaria da Covid-19. In un mondo che pare come sospeso, l'universo di ciascuno si è ristretto alle proprie mura domestiche e il solo modo per evadere è con la fantasia; ho perciò riunito in una visione surreale alcuni elementi simbolo di quello che è per me la libertà, tra cui il tuffo - un modo per spiccare il volo e atterrare al di là dell'ostacolo.
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Deep in my mind (2019), olio su tela di lino, 222x150 cm
Con quest'opera ho voluto esplorare con la fantasia l’interno della mente, dove il razionale ‘sano’ e l’irrazionale ‘patologico’ convivono in ogni essere umano. Lo spunto visivo alla base del dipinto è emerso durante la lettura di Dieci giorni in manicomio, interessante reportage dell’allora giovanissima Nellie Bly realizzato nel 1887. Tra i molti temi che emergono dal testo, mi ha colpito in particolare l’aspetto del non ascolto / indifferenza: il personale sanitario del manicomio in cui Nelly Bly si era fatta rinchiudere allo scopo di documentare le condizioni di vita delle pazienti non solo non era interessato al benessere delle assistite, ma non teneva minimamente in conto le loro parole, tacciandole inevitabilmente di pazzia. Sia assecondando il comportamento atteso da parte di un folle, sia cercando ragionevolmente di far comprendere l’errore nella diagnosi, per le donne rinchiuse il risultato era sempre lo stesso: prigionia, soprusi, e infine la pazzia vera – indotta però dal “luogo di cura”. In Deep in my mind la scena, dalle tinte surreali, si svolge in una sorta di scatola, un edificio fatiscente che richiama le costruzioni fisiche e mentali dietro le quali ci barrichiamo e che ci danno l'illusione di poter vivere tagliando fuori il mondo circostante e tutti i suoi problemi. Il tuffo ha un duplice richiamo: quello agli “abissi” della mente – un mistero ancora oggi non del tutto chiarito – e quello autobiografico, essendo io la nuotatrice che si tuffa ed avendo in passato sperimentato la sensazione di dover proteggere il mio vero io da chi, vedendo solo la scorza esterna, cercava di convincermi che non ero più padrona dei miei pensieri e desideri.
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Deep in my mind (2019), olio su tela di lino, 222x150 cm
Con quest'opera ho voluto esplorare con la fantasia l’interno della mente, dove il razionale ‘sano’ e l’irrazionale ‘patologico’ convivono in ogni essere umano. Lo spunto visivo alla base del dipinto è emerso durante la lettura di Dieci giorni in manicomio, interessante reportage dell’allora giovanissima Nellie Bly realizzato nel 1887. Tra i molti temi che emergono dal testo, mi ha colpito in particolare l’aspetto del non ascolto / indifferenza: il personale sanitario del manicomio in cui Nelly Bly si era fatta rinchiudere allo scopo di documentare le condizioni di vita delle pazienti non solo non era interessato al benessere delle assistite, ma non teneva minimamente in conto le loro parole, tacciandole inevitabilmente di pazzia. Sia assecondando il comportamento atteso da parte di un folle, sia cercando ragionevolmente di far comprendere l’errore nella diagnosi, per le donne rinchiuse il risultato era sempre lo stesso: prigionia, soprusi, e infine la pazzia vera – indotta però dal “luogo di cura”. In Deep in my mind la scena, dalle tinte surreali, si svolge in una sorta di scatola, un edificio fatiscente che richiama le costruzioni fisiche e mentali dietro le quali ci barrichiamo e che ci danno l'illusione di poter vivere tagliando fuori il mondo circostante e tutti i suoi problemi. Il tuffo ha un duplice richiamo: quello agli “abissi” della mente – un mistero ancora oggi non del tutto chiarito – e quello autobiografico, essendo io la nuotatrice che si tuffa ed avendo in passato sperimentato la sensazione di dover proteggere il mio vero io da chi, vedendo solo la scorza esterna, cercava di convincermi che non ero più padrona dei miei pensieri e desideri.
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Verso la luce (2019), olio su tela, 116x81 cm
Il dipinto nasce da una riflessione sul tema dell'ascesa, che ho scelto di trattare partendo da spunti autobiografici. L’ascesa è strettamente legata all’idea di elevazione, in primo luogo fisica - salire verso l’alto - ma anche metaforica - ascendere nel senso di migliorare la propria condizione, di risollevarsi. È su questa seconda accezione del termine che si concentra il mio lavoro, una rappresentazione metaforica e simbolica del viaggio di miglioramento di sé. Verso la luce prende spunto da una situazione reale e normale – una gara di nuoto per salvamento, specialità trasporto manichino – ma la usa come metafora per parlare del grande sforzo necessario a superare le difficoltà e accettare il cambiamento. Ho scelto di snaturare l’ambientazione originaria facendo emergere l’immagine da un fondo nero, dal quale la nuotatrice si allontana con difficoltà ma anche con decisione, dirigendosi dall’oscurità verso acque calme, limpide e luminose. Il suo procedere è reso più difficile dal peso del manichino, cosi come è difficile e faticoso mantenere l’intento di migliorare il proprio stato dovendo sempre combattere contro ricordi e pregiudizi.
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Verso la luce (2019), olio su tela, 116x81 cm
Il dipinto nasce da una riflessione sul tema dell'ascesa, che ho scelto di trattare partendo da spunti autobiografici. L’ascesa è strettamente legata all’idea di elevazione, in primo luogo fisica - salire verso l’alto - ma anche metaforica - ascendere nel senso di migliorare la propria condizione, di risollevarsi. È su questa seconda accezione del termine che si concentra il mio lavoro, una rappresentazione metaforica e simbolica del viaggio di miglioramento di sé. Verso la luce prende spunto da una situazione reale e normale – una gara di nuoto per salvamento, specialità trasporto manichino – ma la usa come metafora per parlare del grande sforzo necessario a superare le difficoltà e accettare il cambiamento. Ho scelto di snaturare l’ambientazione originaria facendo emergere l’immagine da un fondo nero, dal quale la nuotatrice si allontana con difficoltà ma anche con decisione, dirigendosi dall’oscurità verso acque calme, limpide e luminose. Il suo procedere è reso più difficile dal peso del manichino, cosi come è difficile e faticoso mantenere l’intento di migliorare il proprio stato dovendo sempre combattere contro ricordi e pregiudizi.
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Abbandono (2018), olio su tela, 150x100 cm
Questa tela è la terza e ultima del progetto sul naufragio che ho preparato per la tesi della laurea triennale. E’ certamente quella che più mi ha segnata dal punto di vista emotivo, ma anche quella che incarna al meglio l’intento dell’intero progetto sul naufragio: è la rappresentazione di cosa accade a ciò che viene lasciato andare alla deriva. In questa piscina i muri si scrostano, la vernice cade come fosse neve, nessuno più gode del piacere del nuoto o dei colori accesi delle pareti: la vasca è ormai dimenticata da tutti e i tempi in cui colore, rumore, calore e movimento ne vivacizzavano gli ambienti sono lontani. Con questo lavoro ho cercato di porre particolare attenzione agli effetti inesorabili del trascorrere degli anni: non c’è stato nessuno che abbia volutamente danneggiato la struttura, essa si è ripiegata su se stessa da sola, vittima di immobilità e abbandono che l’hanno devastata. Questo accade con qualsiasi edificio o costruzione umana, ma in maniera più subdola anche coi sogni che naufragano col passare degli anni: di tutte le speranze coltivate in gioventù, il tempo non arriva a cancellare tutto ma sicuramente deforma i ricordi in modo che di una certa idea o progetto non resta altro che un simulacro. Il dipinto cerca perciò di essere una sorta di anticipazione della deformazione fisiologica che potrebbe subire il mio ricordo degli anni passati a frequentare piscine se il futuro mi porterà a fare scelte differenti: anche in questa scena, immobile in mezzo alla poca acqua sporca rimasta nella vasca, un torpedo agganciato sostiene un manichino – ma è un salvagente ormai inutile perché non è rimasto più niente da salvare.
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Abbandono (2018), olio su tela, 150x100 cm
Questa tela è la terza e ultima del progetto sul naufragio che ho preparato per la tesi della laurea triennale. E’ certamente quella che più mi ha segnata dal punto di vista emotivo, ma anche quella che incarna al meglio l’intento dell’intero progetto sul naufragio: è la rappresentazione di cosa accade a ciò che viene lasciato andare alla deriva. In questa piscina i muri si scrostano, la vernice cade come fosse neve, nessuno più gode del piacere del nuoto o dei colori accesi delle pareti: la vasca è ormai dimenticata da tutti e i tempi in cui colore, rumore, calore e movimento ne vivacizzavano gli ambienti sono lontani. Con questo lavoro ho cercato di porre particolare attenzione agli effetti inesorabili del trascorrere degli anni: non c’è stato nessuno che abbia volutamente danneggiato la struttura, essa si è ripiegata su se stessa da sola, vittima di immobilità e abbandono che l’hanno devastata. Questo accade con qualsiasi edificio o costruzione umana, ma in maniera più subdola anche coi sogni che naufragano col passare degli anni: di tutte le speranze coltivate in gioventù, il tempo non arriva a cancellare tutto ma sicuramente deforma i ricordi in modo che di una certa idea o progetto non resta altro che un simulacro. Il dipinto cerca perciò di essere una sorta di anticipazione della deformazione fisiologica che potrebbe subire il mio ricordo degli anni passati a frequentare piscine se il futuro mi porterà a fare scelte differenti: anche in questa scena, immobile in mezzo alla poca acqua sporca rimasta nella vasca, un torpedo agganciato sostiene un manichino – ma è un salvagente ormai inutile perché non è rimasto più niente da salvare.
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Camera di chiamata (2018), olio su tela, 100x120 cm
Tema centrale di questo lavoro è l’aspettativa nei riguardi del futuro. L’inizio di qualcosa di nuovo genera sempre tensione emotiva. Ogni tappa della vita, per piccola o grande che sia, è un camminare sul filo del rasoio tra ciò che si conosce e ciò che si immagina, proprio come avviene ai blocchi di partenza prima di una gara: c’è la consapevolezza del lavoro svolto ma la tensione e l’aspettativa possono crescere fino ad intaccare la fiducia nelle proprie risorse. Ciononostante bisogna mettersi in gioco, pur sapendo che il futuro difficilmente sarà proprio come ce lo si aspetta.
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Camera di chiamata (2018), olio su tela, 100x120 cm
Tema centrale di questo lavoro è l’aspettativa nei riguardi del futuro. L’inizio di qualcosa di nuovo genera sempre tensione emotiva. Ogni tappa della vita, per piccola o grande che sia, è un camminare sul filo del rasoio tra ciò che si conosce e ciò che si immagina, proprio come avviene ai blocchi di partenza prima di una gara: c’è la consapevolezza del lavoro svolto ma la tensione e l’aspettativa possono crescere fino ad intaccare la fiducia nelle proprie risorse. Ciononostante bisogna mettersi in gioco, pur sapendo che il futuro difficilmente sarà proprio come ce lo si aspetta.
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Il principio di Archimede (2018), olio su tela, 120x80 cm
Questo lavoro è il primo tassello del progetto sul naufragio che ho realizzato per la tesi della triennale nell'autunno del 2018, e si focalizza sul dolore legato al fallimento di progetti di vita futuri. Il titolo dell’opera fa riferimento alla legge della fisica che spiega il perché alcuni oggetti anche molto pesanti galleggiano sulla superficie dell’acqua mentre altri, molto più leggeri in realtà, vanno a fondo. La stessa logica può applicarsi ai casi della vita: a volte ci sono cose che vanno male perché non è proprio possibile arrangiarle in altro modo, nonostante sembrino una buona scelta; sono accordi stonati, abbinamenti sbagliati, sassolini che per quanto paiano leggeri è inutile cercare di far galleggiare. L’opera rappresenta una serie di oggetti nell’atto di affondare o già dolcemente abbandonati sul fondo di una piscina deserta: sono manichini da salvamento, che richiamano l’idea del salvataggio; una pinna, attrezzo in cui potrei identificarmi; e due abiti da sposa, dai riflessi colorati che ne alterano la percezione, segni del naufragio di un futuro che sembrava già delineato. In superficie, invisibile all’occhio ma percepibile in maniera indiretta attraverso l’ombra che si staglia sul fondo, una ciambella vuota: il tentativo di mettersi in salvo c’è stato ma non è andato a buon fine, e ciò che resta sono soltanto gli oggetti, testimoni muti di ciò che è accaduto.
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Il principio di Archimede (2018), olio su tela, 120x80 cm
Questo lavoro è il primo tassello del progetto sul naufragio che ho realizzato per la tesi della triennale nell'autunno del 2018, e si focalizza sul dolore legato al fallimento di progetti di vita futuri. Il titolo dell’opera fa riferimento alla legge della fisica che spiega il perché alcuni oggetti anche molto pesanti galleggiano sulla superficie dell’acqua mentre altri, molto più leggeri in realtà, vanno a fondo. La stessa logica può applicarsi ai casi della vita: a volte ci sono cose che vanno male perché non è proprio possibile arrangiarle in altro modo, nonostante sembrino una buona scelta; sono accordi stonati, abbinamenti sbagliati, sassolini che per quanto paiano leggeri è inutile cercare di far galleggiare. L’opera rappresenta una serie di oggetti nell’atto di affondare o già dolcemente abbandonati sul fondo di una piscina deserta: sono manichini da salvamento, che richiamano l’idea del salvataggio; una pinna, attrezzo in cui potrei identificarmi; e due abiti da sposa, dai riflessi colorati che ne alterano la percezione, segni del naufragio di un futuro che sembrava già delineato. In superficie, invisibile all’occhio ma percepibile in maniera indiretta attraverso l’ombra che si staglia sul fondo, una ciambella vuota: il tentativo di mettersi in salvo c’è stato ma non è andato a buon fine, e ciò che resta sono soltanto gli oggetti, testimoni muti di ciò che è accaduto.
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After Training (2017), olio su tela, 50x50 cm
After training è il primo dei miei lavori sul nuoto. Nato come studio di composizione, in realtà mi ha spinta a riconsiderare gli strumenti della mia ricerca artistica ancora in fase embrionale. Stavo cercando un soggetto idoneo ad esprimere l’idea di disordine e confusione, sia per questioni tecniche che di immedesimazione personale nell’opera, e al termine di un allenamento mi sono attardata a guardare il piano vasca, trovando quasi per caso la risposta alle mie richieste: da lì è scaturita la scintilla che mi ha portato a dare vita alla serie Pools.
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Collezione privata (FRA)
After Training (2017), olio su tela, 50x50 cm
After training è il primo dei miei lavori sul nuoto. Nato come studio di composizione, in realtà mi ha spinta a riconsiderare gli strumenti della mia ricerca artistica ancora in fase embrionale. Stavo cercando un soggetto idoneo ad esprimere l’idea di disordine e confusione, sia per questioni tecniche che di immedesimazione personale nell’opera, e al termine di un allenamento mi sono attardata a guardare il piano vasca, trovando quasi per caso la risposta alle mie richieste: da lì è scaturita la scintilla che mi ha portato a dare vita alla serie Pools.
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